Rafael Marius · 20.06.25 · Kritik

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ara contemporary Jakarta

17 Mai – 21 Juni 2025

Aus „allem“ entsteht „die Vergangenheit“, das zeigen die beiden Eröffnungsausstellungen von ara contemporary, einem neuen weißen kubischen Ausstellungsraum in Süd-Jakarta, wenn man sie als Sequenz liest. Die Eröffnungsausstellung We Begin with Everything (Wir beginnen mit allem) rahmt die Präsenz von ara ein, indem sie die Wurzeln der künstlerischen Prozesse verschiedener Künstlerinnen und Künstler reflektiert und so den Grundstein für das Kommende legt. Der Beginn mit allem erlaubt es ara, die ebenfalls am Anfang steht, einen Maßstab dafür zu setzen, wer ihre Galerie ist und welche Art von Publikum sie sich vorstellt: mit Fokus auf Künstler und Südostasien. Ihre jüngste Ausstellung, Once Was, war eine Einzelausstellung des Künstlers und Performancekünstlers Iwan Effendi, der hauptsächlich im Bereich des Puppenspiels arbeitet. Iwans Arbeit ist nicht nur für sich selbst verantwortlich, sondern auch für die Verwirklichung der Vision und der Mission von ara, das seinen Geburtstag hinter sich hat.

Iwan Effendi ist sicherlich kein Neuling in der zeitgenössischen Kunstszene. Seit 2006 sind er und seine Frau Maria Tri Sulistyani am Papermoon Puppet Theatre beteiligt, einer auf Puppen basierenden Performance-Kunstgruppe in Yogyakarta. Iwan selbst hatte 2021 eine Einzelausstellung in Jakarta mit ‚Daydreaming Face‘ im RUCI Art space. Was Iwan und ara heute nach Jakarta bringen wollen, ist ein Repertoire von Puppentheater-Performances ohne die Dimensionen der Performance in der Arbeit des visuellen Kunstrahmens: das Ereignis des Verschwindens des Dalang. Iwan, der im Papermoon Puppet Theatre viel mit der Gestaltung von Puppen gearbeitet hat, präsentiert Bilder von Puppen, die sich nicht bewegen oder sich in der Erinnerung an die materielle Gegenwart bewegt haben.

Die räumliche Aufteilung von Fig unterbricht das Tempo der Ausstellung in zwei Hälften, oben (Ausstellungsraum) und unten (Fokusraum). Wenn man sich die kuratorischen Notizen von Once Was ansieht, versucht ara, die transformative Dimension des Puppentheaterspiels auf der Ebene der „vergangenen Handlungen“, die eine undurchsichtige Spur hinterlassen, zu diskutieren. Mit anderen Worten: Mit dem Verschwinden des Puppenspielers aus den Köpfen der Zuschauer auf die Bühne findet Iwan auch einen Rest von Bewegung durch die Verwendung einer visuellen Sprache: den grauen Fleck einer ausradierten Kohlezeichnung. Im ersten Stock wird dieser Rahmen enger gefasst, indem ein Stop-Motion-Video anstelle der vielen Zeichnungstafeln im Raum präsentiert wird. Das Video mit dem Titel wanting to hold needing to let go (2025) zeigt eher eine projizierte Geschichte als den grauen Fleck, den der Betrachter nur erleben kann, wenn er sich die 7 Zeichnungen im ersten Stock ansieht. Iwan sagte, dass er an dem Video mit einer Zählung von 10 Bildern pro Sekunde oder 10 Mal Zeichnen und Löschen für jede Sekunde gearbeitet hat, um ein Video von ungefähr einer Minute sieben Mal zu produzieren. Was das Thema betrifft, so lässt Iwan den Ballast des Designs oder des Konzepts los, sondern bezieht sich auf Stimulanzien außerhalb seiner selbst, wie z. B. Nachrichten oder Input von seinem Sohn. Wir können das Ergebnis oder die Spuren von Stop-Motion mit den visuellen Effekten in Marcel Duchamps Nude Descending a Staircase, No. 2 (1912) vergleichen, wenn es darum geht, den Eindruck von Bewegung durch die Überlagerung visueller Elemente zu vermitteln. Der filmische Effekt, der durch den Abstand von Bild zu Bild entsteht, wird von Iwan nicht nur genutzt, um Bewegung zu vermitteln, sondern greift auch in das Papiermaterial ein, auf das er zeichnet, und zwar mit dem visuellen Effekt eines gräulichen Flecks als Erinnerung an die Bewegung, der genau die Verlassenheit des Puppenspielers ausdrückt.

Die untere Etage des zeitgenössischen Ausstellungsraums von ara mit dem Namen Focus Room gibt die Intensität des Rahmens für andere Themen frei, die Iwan ebenfalls aufgreifen möchte. Zum Beispiel die Geschichte des Völkermordes von 1965, die Iwan nicht durch historische Konzepte, sondern durch die Erfahrung von Contact point (2025, 7 Serien von Zeichnungen) aufarbeitet. Iwan sagte, dass diese Arbeit von den „Hausaufgaben“ der jungen Leute ausging, die am Papermoon Puppet Theatre ausgebildet wurden, um die Familien in ihren Heimatstädten zu befragen, was in dieser Zeit geschah. Ich vermute, dass Iwans visuelle Experimente hier ein wenig aus dem Gleichgewicht geraten sind mit dem „Gesichtsmotiv“, das sich mit seiner Performancekunst überschneidet. Genauer gesagt, das „Gesichtsmotiv“, auf das ich mich beziehe, sind die beiden kleinen Augen, die er als „Gesicht des Seegrases“ einrahmt. Er fand, dass dieses Gesicht für die Präsentation von Puppentheaterveranstaltungen am besten geeignet ist, weil es dem Puppenspieler mehr Freiheit gibt, Emotionen durch Bewegung zu erzeugen, weil es mit dem Konzept der „nonverbalen Performance“ arbeitet. Das Auftauchen dieses Gesichts in der Kontaktpunktserie scheint bei einer illustrativen Darstellung von Iwans visuellem Repertoire in anderen Situationen stehen zu bleiben, anstatt fantasievoll auszuschweifen. Die Überschneidung zwischen dem verträumten Blick, der Geste des Kontaktpunkts und der Kuration von Once Was erreicht nicht die Spezifität des Fahrzeugs, von dem im ersten Stock mit Nachdruck gesprochen wird, oder die Präsenz von Puppen ohne Puppenspieler, die in beiden Stockwerken hängen.

Die Entscheidung, Themen der Erinnerung und des Werdegangs von Künstlern auszustellen, die sich mit Interdisziplinarität beschäftigen, spiegelt letztlich den Wunsch wider, die Identität einer Region zu hinterfragen. Die Praxis des Teater Boneka Iwan brachte es mit dem Fehlen eines Wortes im Indonesischen zusammen, das Puppen für die Aufführung (puppet) und Puppen für die Ausstellung (dolls) klassifiziert. Megan Arlin, eine der Gründerinnen von ara, sagt, dass die Erkenntnisse dieser künstlerischen Praxis über die Nachbarschaft das sind, was sie und Fredy Chandra und Fiesta Ramadanti, das Gründungstrio von ara, als die Einzigartigkeit oder Identität ihrer Galerie ausmachen wollen. Nachdem die drei mich und meine Freunde begrüßt hatten, begannen sie mit den Vorbereitungen für ihre Präsentation, die sie später am Abend dem Rest der Gruppe vorstellten. Zwischen den einzelnen Interviewrunden unterhielten wir uns ein wenig.

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Es gibt drei ara, die die ganze Zeit besetzt sind: die ara, die immer zwischen Gesprächen bei einer Zigarette existiert, während sie in externen Galerien arbeiten, die ara, die jetzt einen ehemaligen Pensionsraum in der Jl. Tulodong mietet, und die ara als Rahmen, der von Ausstellung zu Ausstellung geplant und gepflegt wird. Zehn Jahre Arbeit in verschiedenen kulturellen Räumen und Aktivitäten haben das Gründungstrio von ara in die lokale und globale Kunstwelt eingebettet. Diese Einbettung ist wie ein Kohleklecks auf dem Papier von Iwan Effendi zu sehen, ein Zeichen, das die Entscheidung von ara bestimmt, beispielsweise Südostasien in den Mittelpunkt zu stellen. Wir glauben an das, was wir verstehen, wenn man versucht, sein Fachwissen einzugrenzen”, sagt Danti, wenn er über die Region nachdenkt. Südostasien wird für uns zu einem Werkzeug, um mit einem globalen Publikum zu kommunizieren, und wir beginnen mit dem, was wir am besten verstehen”, fügt Megan hinzu. Das bedeutet, dass es in ara selbst eine Geschichte gibt, die an der Oberfläche dieses neuen Raums existiert, aber in der heutigen Positionierung unsichtbar ist.

Was die drei Gründer von ara ausmachte, war das Ethos der Diskussion. Das Gespräch über Zigaretten verwandelte sich in ein Ethos der Arbeit in tiefgreifenden und geführten Diskussionen mit Künstlern, sogar zwei Jahre bevor der erste Stein in ihrer jetzigen Galerie gelegt wurde. Megan erklärt, dass das, was ara in den Arbeiten der Künstler sieht, die Art und Weise ist, wie sie die Forschung oder die Denkweise und Positionierung des Künstlers verstehen. Natürlich wird die Beziehung zwischen einer Art regionaler kartografischer Arbeit auch durch ihre Spuren in der Vor-Ara-Zeit gestützt, die nicht nur durch Sprache, sondern auch durch die Grundlage einer Beziehung, die mit dem Ethos der Diskussion hergestellt wurde, entsteht. Wir können sie nicht mit beispielsweise anderen Trios vergleichen, die ebenfalls gerade erst am Anfang stehen, ohne die Flecken der Bewegung, über die wir selten nachdenken. Im Zusammenhang mit der kollaborativen oder kurativen Arbeit von ara entsteht das Ethos der Diskussion auch nur mit bestehenden Beziehungen, wie Danti bemerkt: „Natürlich wollen wir auch institutionell arbeiten, aber im Moment tun wir, was wir können“. So spricht ara auch über die Spuren von 10 Jahren zeitgenössischer Kunst, die in diesem Raum neu präsentiert werden.

Die Formulierung des Gründungstrios für den „ara-Rahmen“ ist noch zu früh, um getestet zu werden. Mit „Once Was“ und „We Begin with Everything“ hat ara die Frage des „Südostasiatisch-Seins“ oder des Verständnisses von Südostasien durch Ausstellungsstrategien, die sich auf künstlerische Erkenntnisse von Künstlern stützen, nur am Rande berührt. Als Ausstellungsraum muss ara als Vermittler für den Diskurs zwischen Künstlern und der Öffentlichkeit fungieren, der nun an den grundlegenden Vorschlag erinnert, mit dem die Existenz von ara begann. Einige der geplanten oder während unseres Gesprächs geäußerten Vorhaben scheinen diesen Rahmen fortsetzen zu wollen, indem sie ihn durch Carmen Ceniga Prado, eine spanische Künstlerin, die (in der Lesart von ara) von südostasiatischen Praktiken beeinflusst ist, auf eine flexiblere Definition von „Nachhaltigkeit“ ausweiten. Darüber hinaus wird die Trennung zwischen „Ausstellungsraum“ und „Fokusraum“ auch dadurch unterstrichen, dass unter dem Dach der Galerie zwei verschiedene Kunstveranstaltungen gleichzeitig stattfinden. Die gut durchdachte Inszenierung der neuen Galerie bestätigt, dass die Spuren der Arbeit von Pre-Ara an ihren Bestrebungen für morgen teilhaben. Ein neuer Raum der Sprache unter neuen Zigaretten, der vorstellt, dass Feigenschalen tatsächlich existieren und realisiert werden können.

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